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1750 - 1830
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El neoclasicismo se puede definir como un movimiento creado en Francia durante el s XVIII, fue una época conocida como el siglo de las luces.
La Revolución Francesa es el punto clave para el desarrollo de este periodo.
También consiguió eximir la libertad de expresión de una forma nunca vista antes.
Pensamiento ilustrado: es considerado el precursor de la Revolución Francesa, se basaba en la concienciación del pueblo francés a partir de las ideas de un grupo denominado intelectuales.
Se destacan 3 aspectos: razón, ciencia y progreso.
Estilo: Se basa en 3 características: estética, sencillez y simetría.
Puede decirse que el Neoclasicismo se basa un poco más en la razon y la libertad dejando apartados a los sentimientos.
Literatura: Las obras literarias del Neoclasicismo están ambientadas en un regreso al pasado en el que prima el estilo grecolatino. La imitación de los escritores y literatos de la Antigua Grecia es un rasgo común de una prosa exquisita en la que se deja de lado todo lo relacionado con el mundo fantástico, basando sus obras en la moral, la crítica y la didáctica.
Arquitectura: Las grandes construcciones del Neoclasicismo basan sus formas en dos máximas fundamentales: elegancia y sobriedad.
Sin olvidarnos de la utilización de numerosos arcos y la división tripartita en detrimento del color y el exceso de detalle.
Pintura:La simetría y la estática son los rasgos más destacados de los pintores de esta época. Una etapa de la historia en la que se intenta expresar por medio de la pintura todo lo relacionado con la razón y la lógica. Sin embargo, y a diferencia de la literatura, no se toman como ejemplo modelos clásicos de la Antigüedad. Los tonos oscuros y los paisajes de ciudades se enmarcan como los rasgos principales de unos lienzos que integran una gran carga social.
1770 - 1850
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El Romanticismo puede definirse como ese movimiento románico tradicionalista que surgió en Europa a finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX. Una tendencia cultural que acabó con las costumbres de la Ilustración y el Neoclasicismo y que rompió con todos los esquemas de una época en la que lo diferente causaba repulsa pero al final se acababa imponiendo.
Los sentimientos fueron el hilo conductor del movimiento cultural en el que la razón no era suficiente para explicar la firmeza de una realidad.
se enmarca como la época en la que los escenarios naturales y nocturnos son plasmados por unos pintores con una visión pesimista del mundo.
Los valores de la libertad se ven en su máximo esplendor durante el Romanticismo. Una corriente positiva para liberar a la población de las cadenas de los reyes absolutos que se imponía frente a las ideas del desfasado Neoclasicismo.
En esta época de la historia, los pintores y literatos intentaban crear una realidad paralela donde poder encontrar sus anhelos y en la que sentirse realmente en plenitud. Las épocas pasadas regresan a una sociedad que busca evadirse del mundo en un mundo que no les representa.
1848 - 1875
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El concepto de realismo permite identificar a la manera de contar, presentar, considerar o percibir lo que ocurre tal como sucede. A raíz de esto se puede decir que la postura realista tiene la particularidad de evitar exageraciones: sólo narra los acontecimientos concretos.En el campo del arte, se conoce como realismo a la estructura estética que busca surgir como una imitación fiel de la naturaleza. Puede hablarse de realismo pictórico (el cual pretende plasmar la realidad en cuadros) o realismo literario (cuyos textos intentan aportar un testimonio sobre una determinada época).El realismo literario tuvo su origen en la primera mitad del siglo XIX y sus precursores fueron Honoré de Balzac y Stendhal. Se trató de una corriente estética que se impuso ante el imperante romanticismo de la época. Oponiéndose no sólo en cuestiones ideológicas sino también en lo estructural, provocando un rotundo quiebre entre las letras del siglo XIX.
Una de las características fundamentales de esta corriente es que, a diferencia del romanticismo, centró su atención en la sociedad y no el el individuo. Los autores comenzaron a describir de forma específica cómo era el pueblo y pintaron objetivamente los problemas sociales que acontecían; así surgió la que se llamaría novela burguesa. Esta nueva inclinación no sólo se vio reflejada en las descripciones escénicas sino también en la interacción de los personajes, para los cuales se buscó una expresividad más coloquial. Se les hizo adoptar la forma de lenguaje adecuada para cada uno de ellos, teniendo en cuenta su estrato social, su educación y demás cuestiones que pueden indicar cómo debe comunicarse un individuo.tros aspectos a resaltar de este movimiento son el uso de:
* La descripción minuciosa: con un especial interés en las enumeraciones;
* Los párrafos extensos: con predominio de la subordinación;
* La reproducción del habla popular: sin ningún tipo de decoraciones o idealizaciones;
* Un narrador objetivo: donde la figura del escritor fuera imperceptible, como si los hechos que contara no lo implicaran de ninguna forma.
1850
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La revolución industrial impulsa los principales cambios que sufre la arquitectura en la segunda mitad del S. XIX. Trae consigo los nuevos materiales de construcción, como son el hierro, el acero laminado, el hormigón armado o el vidrio. Con éstos se construirán lugares funcionales surgidos de las necesidades de la nueva sociedad capitalista e industrial, lugares donde se necesiten grandes espacios diáfanos, invernaderos, mercados, naves, fábricas, puentes, bibliotecas, etc.
Muchos arquitectos seguirán utilizando los materiales tradicionales, ya que eran reticentes a que los nuevos materiales entraran a formar parte de la arquitectura. Surge así la polémica y el debate entre arquitectos e ingenieros, a los cuales en principio no se les consideró dignos para la edificación arquitectónica.
La Biblioteca de Santa Genoveva
La Biblioteca de Santa Genoveva, en París (1843-1850), fue el primer edificio público que utilizó una estructura metálica que iba desde los cimientos hasta la cubierta. De planta longitudinal, la bóveda de cristal era sostenida por arcos de hierro que descansaban sobre columnas de hierro, lo que permitía abrir grandes ventanales laterales para conseguir una iluminación natural. Mientras que su interior deja ver la estructura metálica, su aspecto exterior se enmascaró. Es un edificio de estilo renacentista.
Las Exposiciones Universales
El empleo de los nuevos materiales arquitectónicos se difundió a través de las Exposiciones Universales, que eran eventos que organizaban los distintos estados para mostrar los avances de la ciencia y la técnica propios de su país. Para albergar las máquinas y los nuevos inventos se requerían pabellones de grandes dimensiones, por eso se construyen con los medios técnicos más avanzados y buscando la máxima funcionalidad.
Es así como las xposiciones Universales ofrecen los mejores exponentes de la arquitectura del hierro.
Los tres edificios más significativos son El Palacio de Cristal de Patxon, La Galería de las Máquinas de Dutert y Contamin y La Torre de Gustave Eiffel.
El Palacio de Cristal
La primera exposición de carácter internacional se realizó en Londres en 1851. Los promotores de la exposición querían que la feria tuviera gran repercusión social y para ello decidieron construir un edificio singular que diera cobijo a los stands de los distintos países con sus innovaciones tecnológicas. Joseph Patxon gana el concurso con un edificio muy emblemático y original, El Palacio de Cristal.
Su proyecto constituía una novedad absoluta en relación con la arquitectura de la época, tanto por el aspecto exterior como por el sistema de construcción empleado, que inició la tendencia de usar los nuevos materiales para la arquitectura.
Diseñó un edificio que tenía clara influencia de la arquitectura de los invernaderos, que ya había ensayado con anterioridad. Sobre una planta de tipo tradicional, proyectó un envoltorio a base de tirantes de hierro y placas de cristal. Una gran nave construida únicamente con hierro y vidrio. Con la solución propuesta se conseguía un espacio diáfano, lleno de luz natural y además, tenía la ventaja de que era prefabricado, con lo que podía montarse y desmontarse sin destruirse.
La estructura del edificio se componía de piezas estandarizadas que llegaban terminadas de fábrica y preparadas para ser ensambladas, con lo cual el proceso de construcción del edificio consistió en el montaje de la estructura general y en la colocación de los cristales.
Los elementos decorativos, arcos, ventanas circulares, pináculos y celosías, unifican el aspecto estético del edificio y acentúan el ritmo de los módulos estructurales.
El siguiente paso se dará en la Exposición de París de 1889, con La Galería de Máquinas y La Torre Eiffel.
La Galería de Máquinas
La Galería de Máquinas sorprende por sus dimensiones, 420 metros de largo por 115 de anchura. Su anchura se obtiene con un solo arco construido por dos medias parábolas articuladas en su unión. Es la mayor luz conseguida hasta entonces en un arco o bóveda. Su sistema de elementos prefabricados, como los de Patxon, permitieron un montaje y desmontaje rápido.
La Torre Eiffel
Su autor, Gustave Eiffel, era un ingeniero experto en la construcción de puentes, estaciones de ferrocarril y otros edificios de hierro. La torre, realizada en hierro, tenía 321 metros de altura, era la construcción más elevada del mundo hasta que, en 1931, fue superada por el Empire State en Nueva York.
1872 - 1882
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La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las partes inconexas dan lugar a un todo unitario (algo que años después demostraría científica y psicológicamente la Gestalt).
Resumiendo, este movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta.
Por ello, y a partir de los paisajistas de la escuela de Barbizon, los impresionistas se centraron en la pintura al aire libre, buscando plasmar el cambio de la luminosidad, el instante.
1880 - 1905
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Postimpresionismo
También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un movimiento artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como continuación y contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.
Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por ello para entender el postimpresionismo se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en su conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y contemporáneos.
El crítico Roger Fry habla por primera vez de este movimiento y llama “postimpresionistas” a los cuadros que aparecen a finales del siglo XIX hechos por pintores como Cezanne, Seurat, Gauguin, Van Gogh y otros. Muchos de ellos empezaron por el estilo impresionista y lo abandonaron, desarrollando el suyo propio.
Contexto Social
En el siglo XIX tiene lugar el colapso de los imperios Español, Francés, Chino, Romano y Mogol de la India. La desenfrenada revolución industrial aparece y permite la evolución y el rápido crecimiento de las ciudades.
En esta época aparecen las ciudades modernas que se conocen hoy en día, se producen nuevos inventos, cambios que causaron una transformación en la sociedad y potenciaron el crecimiento de la clase social burguesa, la cual a su vez favoreció la masificación de formas artísticas tradicionalmente ligadas a clases altas, como la ópera y el ballet. El arte pictórico por su parte experimentó un fenómeno diferente, comenzaron aparecer artistas que de una forma reivindicativa tomaban los cánones existentes y los transformaban a su gusto, de una manera sumamente personalista.
Los pintores impresionistas son testigos y algunos partícipes de estos cambios, después de unos pocos años la mayoría se asienta en el postimpresionismo. Plasman los ideales de individualismo y objetivismo, que propugnan las corrientes intelectuales del momento.
Características del Postimpresionismo
De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época.Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto. El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de las ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo del cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo con obras como: "Un cangrejo de espaldas".
En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas, los colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de finales del 1800. Las barreras de la razón se destapan por completo y dan lugar a una cultura inclusión e igualdad que hasta hoy perdura.
1904 - 1912
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El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.
El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
Precedentes del Fauvismo
Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.
1907 - 1914
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La pintura cubista es la expresión pictórica del movimiento artístico denominado Cubismo, originado en París, el año 1908, de la mano de Pablo Picasso. El segundo pintor en adoptar el estilo fue Georges Braque, quien aunque es considerado uno de los fundadores del cubismo, realmente es un adoptador temprano del estilo, al igual que Juan Gris.
El cubismo se mantuvo activo hasta el año 1918, fue un flash en la historia, un movimiento realmente corto, sin embargo su importanmcia fue mucho más allá, estilos contemporáneos de toda Europa como el Dada o el Futurismo (en Italia), nacieron como movimientos miméticos del cubismo. Posteriormente también estilos como el surrealismo y la mayoría de corrientes asociadas al modernismo, estuvieron plénamente empapadas de su influencia.
Pablo Picasso y sus seguidores, buscaban una ruputura absoluta con todo vestigio de la norma clásica en la composición. La profundidad, la descripción de la naturaleza y la perspectiva se comenzaron a transformar.
El estilo se desarrolló en 2 fases bien diferenciadas, la primera llamada cubismo analítico, pretendía representar cuerpos complejos en versiones simplificadas, mediante masas fragmentadas en figuras geométricas. Aproximadamente desde 1912 se comenzó a manifestar la segunda fase del estilo: el cubismo sintético, este ya ni siquiera utilizaba las figuras con volumen, sino que se entregó totalmente a la composición bidimensional.
April 26, 1937
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El título de este maravilloso cuadro, es Guernica, y su autor es el famoso Pablo Picasso, que creó esta obra el 26 de Abril de 1937. El estilo de esta obra es el Cubismo, y se encuentra en el Museo Nacional Centro del Arte Reina Sofía, Madrid. Pero su origen se encuentra en París, Francia. La técnica de este cuadro es el óleo sobre lienzo.
El Guernica es un óleo sobre lienzo, de 776,6 cm de largo y 349,3 cm de alto. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.
Esta obra quiere explicar el terror que se vivió en el pueblo vasco de Guernica durante un bombardeo de la Segunda Guerra Mundial. Este cuadro se realizó debido a que a Picasso se le ordenó representar a España durante el Régimen, pese a que el residía en Francia, el comunico que hasta que no cayera el régimen Franquista no mandaría el cuadro a España.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga (España). En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888. El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años. En 1912 durante su estadía en la ciudad de París, Picasso formó parte de un círculo de amigos distinguidos en los barrios de Montmartre y Montparnasse, ellos eran André Breton, poeta; Guillaume Apollinaire, el escritor; Alfred Jarry; y Gertrude Stein. Apollinaire fue arrestado bajo sospecha de haber robado la Mona Lisa en el Louvre, y ser parte de una banda de ladrones internacional. Apollinaire culpó a su amigo Picasso, quien también fue sometido a un interrogatorio, pero ambos fueron exonerados más tarde.