revoluciones y vanguardias

líneas de tiempo referenciales

Periodización tradicional occidental

MODERNIDAD

1453 - 1789

*Caída del Imperio Romano de Oriente
*Revolución Francesa

EDAD CONTEMPORÁNEA

1789 - 2014

Martinez Betancourt

CAPITALISMO MERCANTILISTA

1500 - 1750

CAP. LIBERAL-INDUSTRIAL

1750 - 1950

CAP. COGNITIVO

1950 - 2014

NEOLIBERAL- SALVAJE

1951 - 1990

1990 EN ADELANTE

1990 - 2014

Arte / Sistemas de Producción

EL ARTE - ARTE

1450 - 1880
  • 1267 Giotto
  • 1404 Alberti

FIN

1880 - 1950

DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE

1950 - 2014

*Arte de masas

Revolución Industrial

1° R.I.

1750 - 1840

Fotografía

1816

Gran Exposición - Londres

1851

Fonógrafo

1878

2°R.I.

1880 - 1914

Gramófono

1888

Cinematógrafo

1894

Guerra Mundial

1° G.M.

1914 - 1918

ENTREGUERRAS

1918 - 1939

2°G.M.

1939 - 1945

algunos datos en Europa...

Rev. Francesa

1789 - 1799

NAPOLEÓN

1799 - 1815

ÉPOCA VICTORIANA

1837 - 1901

La Bella Época

1890 - 1914

designar el periodo de la historia de Europa comprendido entre la última década del siglo XIX y el estallido de la Gran Guerra de 1914.

Esta designación respondía en parte a una realidad recién descubierta que imponía nuevos valores a las sociedades europeas (expansión del imperialismo, fomento del capitalismo, enorme fe en la ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad); también describe una época en que las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población (desde la aristocracia hasta el proletariado), y también este nombre responde en parte a una visión nostálgica que tendía a embellecer el pasado europeo anterior a 1914 como un paraíso perdido tras el salvaje trauma de la Primera Guerra Mundial.

REV. RUSA - URSS

1917 - 1991

URSS 1922 - 1991

Ámbito artístico

Neoclacisismo

1750
  • las fechas son sólo aproximaciones

surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con el ocaso de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

El auge de la burguesía tras la Revolución Francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó, identificados con la aristocracia.

Romanticismo

1790

finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.

Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evocación ensoñadora, el amor a la naturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por el ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exótico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado –especialmente las medievales–, y adquirió notoriedad el paisaje, que cobró protagonismo por sí solo.

Realismo

1855

estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de 1855, alternativa al Salón de París, bajo el título "Realismo". Allí expuso su obra El taller del pintor, considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por su anti-academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad.

Arts & Crafts movement

1860

Impresionismo

1870

Surgido de la ética naturalista del Realismo, pero al mismo tiempo apartándose de ella, creció un importante movimiento artístico: el Impresionismo. Surge la fotografía y esta toma el lugar de la pintura de retratos, y los artistas se volcarán en la búsqueda del elemento fundamental de la pintura y destacado de la fotografía. Se encontrará en la luz y el movimiento.

Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Simbolismo

1870

Estilo de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» La belleza se alejó de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista

Art Noveau

1880

*fechas no exactas

considerado el último estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX.

corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios1 ). Muchos artistas identificados con el modernismo son artistas «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener.

Pictorialismo

1880

movimiento fotográfico de pretensiones artísticas. . El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.
Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica de Kodak y su sistema de revelado y copiado en laboratorios industriales, que se extiende rápidamente por todo el mundo en tanto no se requerían conocimientos técnicos para su uso. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura.

Los fotógrafos del pictorialismo se definen como artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a la técnica

Postimpresionismo

1910

Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Art decó

1920

Vanguardias del siglo XX

Expresionismo

1905 - 1923

Fauvismo

1905 - 1908

Cubismo

1907 - 1914

Futurismo

1909 - 1930

Arte abstracto

1910 - 1932

Constructivismo

1914 - 1930

"KITSCH"

1915

*El término kitsch comenzó a utilizarse entre 1860 y 1870 en la jerga de pintores y comercian-tes de Munich para designar material artístico barato
Es en la primera década del siglo XX que kitsch se convierte en un término internacional que implica la noción de inadecuación estética.

*En 1917 el dramaturgo y poeta alemán Franz Wedekind escribió que “lo kitsch es la forma contemporánea de lo gótico, rococó, barroco" (221). Esa fue la primera vez en que la esencia de la modernidad se identificaba como kitsch.

Años más tarde Clement Greenberg confirma la existencia de la ecuación entre modernidad y kitsch. “Donde existe una vanguardia, generalmente, también encontramos una retaguardia. Cosa cierta –con la entrada de la vanguardia– apareció un segundo fenómeno cultural nuevo en el occidente industrial, aquella cosa a la que los alemanes llamaron kitsch... kitsch es experiencia sustitutiva y falsa sensación”

Es en la primera década del siglo XX que kitsch se convierte en un término internacional que implica la noción de inadecuación estética.

La posibilidad de uso de elementos kitsch por la vanguardia y, viceversa, del kitsch haciendo uso de divisas de la vanguardia, indica cuán complejo es el concepto de kitsch.

Andy Warhol es considerado el gran maestro del kitsch del siglo XX. Su obra incorpora lo kitsch dentro del arte. Al hacerlo de manera deliberada lo transforma en una parodia sofisticada. Este tipo de kitsch le pone cremillas al kitsch y así propone salvar sus credenciales artísticas. Este tipo de kitsch ofrece una emoción falsa y al mismo tiempo una sátira falsa de las cosas que ofrece. El artista pretende que se está tomando en serio, los críticos pretenden juzgar su producto y la vanguardia pretende promoverlo. Al final todo es pretensión y alguien que no sabe discriminar entre arte y propaganda, finalmente decide que vale la pena comprarlo (Scruton).

Dadaísmo

1916 - 1922

De Stijl

1917 - 1931

BAUHAUS

1919 - 1933

Surrealismo

1924 - 1955

Post-guerras

Informalismo

1945 - 1960

Nueva figuración

1945 - 1960

op-art

1950

Pop-art

1955 - 1970

Nuevo realismo

1958 - 1970

arte de acción

1960

Minimalismo

1963 - 1980

hiperrealismo

1965

Arte conceptual

1965 - 1980

arte postmoderno

1975